西洋音楽はリズム・メロディ（旋律）・コード（和音）の３つが主要な要素です。しかし、日本の伝統音楽には一部の例外を除き、和音とリズムの確立した概念がなく、主に旋律（メロディ）と間（タイミング）の二つの要素から成り立っています。間（タイミング）に関していえば、“ヨ～ッ”や“ハッ”の掛け声のあと、間（呼吸）をはかって次の音を出すといった、決して拍数を数えているわけではありません。
日本人は全般的にリズムが苦手といわれる要因でもあると思われます（書籍：友寄隆哉著・日本人のためのリズム感トレーニング理論・リットーミュージック・2014年2月・105ページより引用 ）。

ただし例外もあり、東北地方の民謡、特に津軽民謡は連続した音を一定のテンポで繰り出す拍子（タクト）に加え、躍動感（リズム）と高揚感（ビート）も表現内容に求められます。

このパートでは、主にメトロノームを使って、タクト・リズム・ビート・タイミングを意識してリズムを刻む練習をします。民謡のリズムパターンは２拍子・３拍子・４拍子ぐらいで（例外あり）簡単ですが、その土地特有のノリ感覚があるため、まずは機械的に正確なリズムを刻めるようになって、最終的には津軽民謡のスイング感、グルーヴ感の習得をめざします。

このパートでは、最初に１オクターブ12音が指板上のどこにあるのか、指の筋肉を鍛えながら学習していきます。ポジションを半音ずつ移動しながら、音程（インターバル）を意識して音の間隔を度数（主音からの距離の単位）で認識できるように訓練していきます。

指で押さえるポジション（ツボ・勘所）を度数で言えるようになると、ツボ番号暗記による演奏から脱却できるようになります。

このパートでは、メロディ（旋律）を奏でるベースとなる代表的なメジャースケール（長音階）とマイナースケール（短音階）を暗記して弾けるトレーニングを行います。次に学習するペンタトニックスケール（五音音階）のベースともなる基本の重要なパートです。

このパートでは、民謡で主に使われる5音で構成するペンタトニックスケールを基にして、たくさんの基本フレーズと指練習を行います。パートの後半ではハジキ（指で糸をはじいて音を加える）がメインのフレーズのトレーニングを行います。

ピアノ練習のハノンやバイエルのように、決まったパターンのフレーズを繰り返し反復練習をしてどんどんレベルアップをしていきます。同時に音程（インターバル）を意識したトレーニングを行うので、譜面暗記に頼ることのない自由な演奏が可能になります。